Leituras de domingo
Kishio Suga
Maneiras de investigar uma coisa desconhecida:
Kishio Suga e a natureza duradoura do Mono-Ha
por Stuart Munro publicado em Mousse Magazine 55, 2016
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Stuart Munro apresenta o trabalho de Kishio Suga, um escultor e artista de instalação japonês e membro fundador do Mono-ha, que tem grandes exposições acontecendo neste outono: Situações no Pirelli HangarBicocca em Milão e A New Order (ao lado de Karla Black) no Scottish Galeria Nacional de Arte Moderna de Edimburgo.
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Kishio Suga , VIVA ARTE VIVA , 57ª Bienal de Veneza, Veneza, 2017
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Na primavera de 1971, o prolífico escritor e fotógrafo da revista Provoke Takuma Nakahira participou da Sétima Bienal de Paris com seu projeto de instalação de uma semana, Circulation , uma cacofonia de imagens recortadas e recortadas que também contavam com o artista coreano Lee Ufan e o instalador japonês Kōji Enokura— ambos afiliados ao movimento japonês Mono-ha (Escola das Coisas) participando da mesma bienal, parecendo pior para o desgaste. Filmado durante o dia, processado à noite e pendurado pronto para a manhã seguinte, o peso e o volume das imagens começaram a derramar incontrolavelmente no chão do local. Dias antes do término da instalação, Nakahira brigou com os organizadores da bienal. Num ataque de desespero e sem dúvida protesto, ele acabou destruindo a maior parte do trabalho. Mais tarde, Lee atestou que, para Nakahira, esse momento em Paris foi provavelmente um ponto de virada que sugeria coisas maiores por vir.
Embora o julgamento por fogo tenha sido crucial para Nakahira, tanto pessoal quanto profissionalmente, também foi um marco para o Mono-ha: a bienal marcou a primeira grande introdução desse grupo na Europa. O grupo nunca foi formalizado e os associados a ele se esquivaram de tais formalidades. O primeiro ponto real de contato entre artistas foi a mesa-redonda intitulada “Vozes de artistas emergentes: o mono abre um novo mundo”, publicada na edição de fevereiro de 1970 do periódico de arte japonês Bijutsu Techo .
O Mono-ha refletia a mentalidade de todos os envolvidos e centrava-se nas escolas de arte de Tóquio. Um desses artistas foi Kishio Suga. Nascido na cidade de Morioka, no norte do país, em 1944, Suga foi ensinado pelo pintor de vanguarda Yoshishige Saito e formou-se na Tama Art University em 1968. O interesse de Suga estava na "confiança" material e em um campo de objetos dependentes do tempo e da duração, e não apenas "site". Ele usou pedra, madeira, metal e barbante - objetos em sua forma mais crua - tratados e colocados de tal maneira que a escultura, a fotografia, a pintura e a performance os transformaram, desbloqueando o que ele via como um desejo material de mudar e se adaptar.
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Kishio Suga , Dia: Chelsea, Nova York, 2016
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Na Universidade de Tama, Suga viu os catálogos e publicações de arte que Saito trouxera de volta dos primeiros shows minimalistas em Nova York, um lugar que provavelmente parecia um mundo distante - seu formalismo rígido irrelevante e sem conseqüências reais. O manifesto do Japão no pós-guerra era simples: reconstrução em escala gigantesca. Com o tempo, a geração de artistas de Suga passou a refletir as tensões que atingiram o coração de uma sociedade em meio à mudança pós-guerra. No entanto, embora o cineasta Masao Adachi e até outros artistas do Mono-ha, como Noriyuki Haraguchi, tenham criticado essa rápida mudança e como ela alterou a natureza e o caráter do Japão, Suga era muito menos explícita. Para ele, "fazer" se tornou um ato de crítica e um dos aspectos mais duradouros de sua prática.
Ainda fazendo figuras no trabalho de Suga hoje. Ele tem a intenção de reorganizar ou retrabalhar (e não simplesmente refazer) as peças anteriores em novas situações para provar uma consciência contínua das coisas. Agora ele está mais ocupado do que nunca, e peças anteriores, como Dependent Space 940 (1974) e The Gap of the Earth Tremor (1976), descrevem a relação entre estrutura e o mundo natural que parece tão relevante agora como há quarenta anos. O equilíbrio e a continuidade de seu trabalho são tão vitais como sempre, com sua primeira exposição individual nos Estados Unidos, que será realizada no Dia: Chelsea em Nova York neste outono e outras grandes exposições acontecendo nos próximos meses - Situações no Pirelli HangarBicocca em Milão e Uma nova ordem ao lado da artista local Karla Black na Galeria Nacional de Arte Moderna da Escócia, em Edimburgo.
Quando o pintor americano Sam Francis viveu no distrito de Roppongi, em Tóquio, em meados da década de 1970, Suga era seu assistente, e acredita-se que o interesse de Suga pelas fronteiras e fronteiras provinha das gravuras nas quais Francis trabalhava na época. Suga viu a transformação do material como uma maneira de liberar o trabalho do artista, sublinhando as coisas que separam e dividem. Como sugere Suga, desenhar características que parecem estar lá o tempo todo é uma maneira de "investigar uma coisa desconhecida".
As sementes do Mono-ha foram plantadas em três exposições, todas em 1969: estacas quadradas em buracos redondos no Museu Stedelijk, em Amsterdã, quando as atitudes se tornam forma no Kunsthalle Bern, na Suíça, e Anti-Ilusão: Procedimentos / Materiais na Whitney Museu de Arte Americana em Nova York. Na década de 1970, o Mono-ha e seus apoiadores, como o crítico Nakahara, queriam causar um impacto próprio e aplicar sua escola de pensamento mais internacionalmente. A Décima Bienal de Tóquio, Entre Homem e Matéria (1970), fez exatamente isso. Também se concentrou fortemente no contexto e nos campos de ação, e não no espaço coletado de uma instituição. Os artistas convidados foram incentivados a reagir à cidade de alguma forma, a expressar sua experiência vívida em meio ao caos e turbulência, da maneira mais física e não física possível.
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Kishio Suga , Situações, Hangar Pirelli Bicocca, Milão, 2016
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Realizada em maio de 1970, no Museu Metropolitano de Arte de Tóquio, no Parque Ueno, a bienal foi organizada pelo jornal Mainichi Shimbun , que até aquele ano havia sido fortemente envolvido na curadoria da exposição. (Foi chamado anteriormente de Mainichi Contemporânea .) Nakahara esteve envolvido na bienal anterior e falou sobre este ser mais contemporâneo e internacional, com peças encomendadas em vez de trabalhos arrancados de carteiras de artistas. Surpreendentemente, o jornal concordou com a abordagem pouco ortodoxa, e Nakahara começou a tarefa de curar o trabalho de artistas de vinte e trinta e trinta anos da América, Europa e Japão.
Embora muitos deles tenham participado do Mainichi Contemporary 1968, artistas como Carl Andre, Sol LeWitt, Bruce Nauman e Richard Serra agora adotaram a abordagem "in situ". Alguns deles instalaram seu trabalho ao ar livre na cidade, além dos limites do museu. Daniel Buren gravou seu trabalho de cartaz em partes do centro de Tóquio. Bruce Nauman filmou uma performance em Nova York e a gravou. Enquanto Richard Serra plantou um carvalho no Ueno Park, perto do museu. Como conseqüência, alguns quartos eram surpreendentemente nus; a exposição foi acusada de parecer vazia, com pouco trabalho em exibição.
De certo modo, Nakahara alcançou seu objetivo, pois as bienais anteriores sofreram por mostrar muito trabalho. O museu abriu suas portas e transformou a própria cidade em um amplo espaço de atuação e arte internacional Povera. Na época em que a exposição Sete artistas italianos e Sete artistas japoneses ocorreu no Salão do Instituto Cultural Italiano, em Tóquio, em 1976, as instituições começaram a se especializar cada vez mais, abandonando não apenas a estrutura do museu, mas o próprio museu. Ironicamente, a crítica de Mono-ha ao sistema de museus e à estrutura da instituição de arte não impediu que algum trabalho terminasse em coleções particulares e museus ao redor do mundo.
Embora Suga tenha participado de Tendências da arte contemporânea no Museu Nacional de Arte Moderna de Kyoto naquele ano, em vez da Bienal de Tóquio, a experiência daquele período solidificou o Mono-ha em uma expressão unificada defendida por todos os membros. Outros programas, tão explícitos e ambiciosos quanto a Bienal de Tóquio, nunca alcançaram o mesmo nível de exposição. Mainichi Shimbun retirou seu apoio, enquanto um boom na construção de museus regionais significava que, embora houvesse mais exposições, poucos tinham recursos para serem tão ousados ou aventureiros e cumprir a promessa de Entre o Homem e a Matéria .
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Ao longo dos anos, Suga seguiu seu próprio caminho, dando boas-vindas à distância que a vida fora de Tóquio traz. Ele se mudou há cerca de vinte anos para sua atual casa e estúdio na Península de Izu, a oeste da cidade. Seu trabalho é agora melhor descrito pelo material em que resiste, como em Natural Order (1975), do que o material em que se baseia, como em Appearing Space (1982). O reestadiamento, em vez de refazer o trabalho anterior, como Parameters of Space (1978/2016), é uma busca não apenas pela nova flexibilidade, mas também pelo contexto em que o trabalho se encontra, seja na calçada contra um meio-fio ou plano em um trecho de grama.
Em 1997, a exposição coletiva Gravity: Axis of Contemporary Art no Museu Nacional de Arte de Osaka foi a primeira vez que Suga exibiu ao lado do artista americano Robert Morris. Seus trabalhos foram mostrados juntos novamente no início deste ano, na Blum & Poe Gallery, em Tóquio, onde um remake das seminais Lead e Felt (1969/2010) de Morris estava diante de Parameters of Space (1978/2016) de Suga. Exibidos em extremos opostos da mesma sala - com o trabalho de Morris enviado e pendurado em sua ausência e Suga instalando pessoalmente sua peça, que passou por várias iterações -, ambas as obras foram uma reação não apenas ao espaço imediato à sua volta, mas também um ao outro . Condicionados em parte por reagir às condições ambientais da cidade, eles também estabeleceram suas próprias formas de transformação cuidadosamente colocada e organizada. Para Suga, seu pedaço de madeira tratada e granito foi cuidadosamente estabelecido no chão, preso entre quatro blocos principais de pedra encoberta, enquanto o pedaço de Morris, feito de tiras de chumbo e feltro, estava caído contra a janela de vidro de altura total. Está de volta ao mundo em uma posição de quase casualidade.
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Kishio Suga , Mendes Wood DM, São Paulo, 2018
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Ao explorar estados de coexistência e situações dependentes de como eles são construídos, organizados e vistos ou não vistos, Suga descreve em termos relativamente simples questões ainda urgentes hoje. Evitando uma "tecnologia" de produção e a sofisticação da manufatura, ele possibilita discutir as coisas como elas são, sem a necessidade de aprimorá-las ainda mais. Destacando o trabalho de onde está, não se referindo a ele em termos de local ou local, ele pode se concentrar em transformar a natureza da obra de arte.
O termo japonês "Mono" é completamente ambíguo. Pode se relacionar tanto a objetos e materiais quanto a situações e pessoas. É tão flexível quanto vago.
No entanto, é claro que os motivos do Mono-ha são pelo menos em parte uma reação à vanguarda estrangeira da época. E para Suga, coisas novas são feitas apenas rasgando coisas antigas. Com seu primeiro show institucional institucional em Nova York ao virar da esquina, um verdadeiro legado não seria o valor monetário de seu trabalho ou o quão colecionável ele se tornou, mas a oportunidade e a situação agora permitiram que ele quase começasse novamente. Ele evita aplicar padrões relativos às idéias por ser, em suas próprias palavras, “um objeto claro de crítica - indo além do trabalho que ele fez até agora, tendo o potencial de fazer algo completamente diferente. Este ano pode ser igualmente o seu próprio ponto de virada que sugere coisas maiores por vir.
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